La nuit tombe, habitée par le chant des insectes nocturnes. Guidé par ma présence et ma voix, le public est invité à pénétrer dans un espace-temps qui semble étiré, éternel, épaissi. Il s’agit du temps de l’intériorité, celui des météores.

Les yeux se ferment, un voyage intrachorégraphique commence ici. Il s’agit d’une épopée qui se déploie sous la forme d’une expérience hypnotique, individuelle et collective. Les météores sont imaginé·es comme des êtres dont les mouvements peuplent le ciel de notre intériorité. Ces phénomènes célestes autrefois lus dans le ciel comme des présages, ici sont la multiplicité des voix — des présences, des deuils et des forces — qui nous cultivent.

Le cantique des météores naît du désir de manifester, par le chant, une forme de chorégraphie spéculative intérieure : celle des phénomènes qui nous traversent et qui façonnent le corps couche après couche — os, organes, muscles, peau. J’appelle ce processus une agriculture du corps, où le chant devient l’agent agricole de notre corps envisagé comme terre, terreau et territoire.

Construit comme une traversée poétique, Le cantique des météores explore les mutations du langage et des corps dans un monde en transition. Entre incantation et récit, il convoque des paysages imaginaires où la mémoire et l’intuition ouvrent des brèches vers d’autres manières de percevoir et d’habiter le monde. La voix s’y déploie comme les lignes d’un paysage semi-fictif, convoquant des danses et des forces de vie invisibles.

Remonter aux origines de la chorégraphie pour y voir une forme de cosmogonie du monde. Mettre à distance la choré de la graphie, pour comprendre ce qui les met en tension. Pour saisir la nature de l’espace entre. Cet espace n’est pas un fossé, mais un écart actif, un espace-substance, comme l’espace entre les corps qui dansent. Comme l’espace de la pensée, comme l’espace négatif entre et derrière ce texte. Comme l’espace au-delà de ce livre. L’espace entre danse et écriture est atmosphérique, il est plein d’invisible, de potentialité permanente, il est infini et élastique.
Il écrit les nuits du monde.

être ciel est un dispositif in situ et interactif où spectateurs et danseuses sont appelés à évoluer simultanément pour composer un paysage chorégraphique commun. Pendant toute la durée du crépuscule, êtres humains et chants d’oiseaux ouvrent un enchâssement de récits qui cohabitent et migrent à travers des imaginaires multiples.

Au coucher du soleil, les spectateurs sont invités à activer un dispositif sonore en se connectant sur une plateforme internet où ils mettent en lecture et spatialisent des chants d’oiseaux. Leurs téléphones, agissant en petits haut-parleurs multipoints, construisent un paysage sonore polyphonique dans lequel les oiseaux semblent cohabiter, comme cela pourrait se faire à l’état naturel. Appelés par les chants, les corps des danseuses apparaissent progressivement parmi le public, déployant un chœur de gestes qui se répètent, dialoguent et migrent de corps en corps. Ils forment une danse-langage interspécifique, s’envolant par instants en un unique corps commun. Une rencontre poreuse s’opère entre les corps observateurs et les corps dansants engagés par le dispositif sonore médian, duquel surgit le paysage fictionnel et ascensionnel qui nous immerge jusqu’à la nuit.

être ciel peut être considérée comme une expérience transversale, poétique et politique, de notre relation à l’environnement. Elle ouvre des fenêtres d’imagination, d’espoir et de réflexion, par lesquelles nous posons les conditions d’un écosystème et d’une écologie propres aux champs de la chorégraphie et de la performance.

À la recherche des formes archaïques, des premiers gestes et langages, c’est notre aptitude à créer des mondes de pensée qui est questionnée ici. Des fragments de mémoires émergent à la lecture d’un temps et d’un espace suspendus, entre, où l’écriture devient synesthésique. Musique, danse et graphisme migrent dans la géographie du corps lui-même, qui assimile, archive et transcende les mémoires dans un mouvement spiral.

STELLA met en scène trois performeurs ; une danseuse, un musicien et une performeuse, autour d’une partition graphique qui prend le cercle pour motif principal. Le cercle, une figure archétypale qui remonte le temps et la géographie, de l’Espagne à l’Inde en passant par l’Égypte, en puisant dans les racines de pratiques artistiques ancestrales. La pièce, composée comme une spirale ascensionnelle imite, en quelque sorte, la naissance du monde (du néant à la vie ornementale), en utilisant les codes de mise en page graphiques pour générer une partition où figures, souffles, mouvements, sons et textes se mélangent pour former des corps hybrides et inédits.

Qu’est-ce qu’une image, sinon peut-être un mouvement ralenti à son extrême, jusqu’à se fossiliser dans la matière du papier ?

Les sismographies mettent en parallèle le corps humain et le corps géologique, le temps humain et le temps d’une pierre ou d’une image. Un temps presque immobile qui se révèle dans la fragilité du corps qui trace, par ou malgré lui, les variations sismiques de ses gestes variables. Un mouvement presque immobile à nos yeux et qui pourtant se révèle sur la surface du papier à mesure que le temps passe.

Chaque performeur est relié par des ficelles à une machine à dessiner suspendue au mur grâce à un système de poulies. Le changement de plan qui s’opère entre la surface du sol où évolue le performeur et la surface du mur où l’outil graphique trace, créé un décalage entre le mouvement perçu et sa traduction archivée. Dessin et mouvement deviennent les anamorphoses l’un de l’autre. Les gestes génèrent le dessin autant que les contraintes du dispositif génèrent les gestes.

Dan’dé est un dictionnaire chorégraphique ludique qui représente, par l’intermédiaire de l’écriture et du dessin, les figures d’une danse imaginaire. Plus qu’un simple livre, c’est un objet à composition qui se manipule. Sa reliure se démonte, ses pages se déplient et ses signes se déploient dans l’espace, pour nous inviter à expérimenter chaque figure et recomposer d’infinies partitions chorégraphiques. Né d’un processus d’expérimentation autour de la retranscription graphique du mouvement, ce projet a été mené avec 18 élèves de CM1 dans le cadre du Centre de Formation des Plasticiens Intervenants (HEAR).

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Comment la notation chorégraphique engage-t-elle à la création ? Telle est la problématique posée dans ce document qui, par une analyse de l’œuvre de plusieurs artistes plasticiens et chorégraphes, cherche à révéler comment cette écriture du mouvement devient un réel processus de création. « [La notation] bouleverse, redéfinit, provoque la danse par la dimension plastique qu’elle engendre : la forme questionne l’espace, l’outil graphique questionne le geste, les procédés numériques questionnent la composition. Elle devient alors une nouvelle matière à danser. »

Paraboles est un jeu de cartes graphique et chorégraphique expérimental composé de trente symboles. Il est divisé en trois familles, matière, espace et temps que le mouvement lie intrinsèquement et simultanément entre elles. Fondé sur le principe d’une écriture visuelle symbolique, il stimule la création chorégraphique en recherchant la qualité vibratoire et sensible du mouvement. En ce sens, chaque signe a été conçu de manière à véhiculer intuitivement l’empreinte des nuances gestuelles qu’il évoque, offrant ainsi au danseur une grande liberté d’imagination et d’improvisation.

Objet à double format de publication ; jeu de cartes et performance, Paraboles, explore la potentialité d’un système d’écriture chorégraphique à travers la mise en lecture d’un corps par les cartes et des cartes par le corps. Chorégraphier c’est inscrire la matière, dans le temps, à travers l’espace. Les cartes, fondées sur une écriture chorégraphique vibratoire, se déploient, se déplient, s’élaborent comme stratagèmes à danser. Elles sont nos partitions. Entrer dans la lecture d’une image c’est ouvrir un espace, parfois mental, parfois sensible, un espace entre. Entre soi et les cartes, entre soi et l’autre. C’est construire une relation à l’autre.